FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA

En la fotografía pública, se utiliza una amplia drama de técnicos especialistas con el fin de que las imágenes serán atractivos para el consumidor, y así ser una elemento de menor influenza sobre el televidente.

La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad.

La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos "publicitarias" eran las llamadas de " arte final", ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos.

La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de "color". Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes, por la calidad final y si además son digitalizadas en scanner de alta resolución, los resultados son fabulosos.

La fotografía publicitaria difiere del resto de los géneros fotográficos por varios motivos. Su funcionalidad le exige una adaptabilidad a los intereses comerciales que tienen por finalidad el aumento de las ventas o servicios. Si el anunciante consigue aumentar el número de ventas es cuando se valora positivamente la capacidad publicista de la fotografía. La fotografía publicitaria, por otro lado, no está comprometida con la realidad como, por ejemplo, la fotografía de prensa. Es decir, la fotografía publicitaria muchas veces se inspira en la realidad pero lo que nos representa por medio de sus imágenes es una realidad construida.

A diferencia de otros tipos de fotografía, donde el fotógrafo tiene que estar alerta para obtener la instantánea, la fotografía publicitaria construye la escena exactamente igual que en el cine de ficción, y el fotógrafo se limita a captar la escena valiéndose de las técnicas de iluminación y fotográficas. En el caso de que el fotógrafo no obtenga la imagen diseñada en el primer disparo tendrá más oportunidades, tantas como hagan falta.

ILUSTRACIÓN DIGITAL

En los últimos años la ilustración digital se ha convertido en una forma de arte emergente que utilizando las técnicas de la pintura tradicional y, mediante la aplicación de herramientas digitales (ordenadores, tabletas y programas informáticos), ha conseguido representar sus obras directamente sobre la pantalla del ordenador.

La tecnología digital ha puesto en manos del artista nuevas herramientas que no han dudado en utilizar bajo su particular disciplina de expresión y creatividad.

Existe una ligera línea dentro el Diseño y el Arte Digital Aplicado, nuestra interpretación y diferenciación principal es considerar esta variante del arte como la creación subjetiva y filtrada mediante criterios e interpretación del creador para que sea utilizada por “x” individuo, en este caso, nuestros clientes. No se rige por cánones corporativos preestablecidos ni tampoco tiene por regla ser funcional, pero si vanguardista.

La ilustración es solo una parte del diseño gráfico, se relaciona específicamente con lo que tiene que ver a dibujos, la ilustración tradicional se refiere a que todo el proceso es hecho a mano, desde los primeros trazos hasta el proceso de pintura que es hecho con tintas, a pincel o marcadores.

ILUSTRACION TINTA CHINA

La tinta como medio para dibujar, se ha venido usando durante mucho tiempo. Los antiguos egipcios y romanos usaban plumas de caña para realizar dibujos y escribir sobre pergamino y papiro. Con el paso del tiempo la evolución de esta técnica ha sido evidente. Desde la pluma, los pinceles, las plumas de inmersión, las plumas fuentes y los estilógrafos son ejemplos del manejo tan variado que tiene.

Esta técnica permite alternar el trazo continuo con los grises falsos (grises ópticos), que se crean con la superposición de la tinta sobre el papel, esto sin olvidar un aspecto muy importante: la línea es el principio base, es el mínimo rasgo pero el máximo de información. Esto quiere decir, que con solo un trazo podemos reflejar alguna forma, un concepto, sin necesidad de detallar, obviamente esto depende del manejo de la técnica para proyectar correctamente una idea.

La tinta es una técnica que permite distintos modos de aplicación, tanto en “aguada” como en “puntillismo” o trazo corto, tomando en cuenta que el papel a utilizar es un aspecto muy importante a considerar.

Algo maravilloso de esta técnica, es que permite crear efectos interesantes con el uso de la mancha accidental, no tengas miedo de experimentar, probar diferentes resultados con aplicaciones sobre papeles con diferentes texturas.

Toma en cuenta de que el secado de la tinta china es más rápido que la acuarela líquida debido a su mayor dimensión, por ello es necesario que tomes en cuenta que una vez seco no es posible alterar lo que ya se hizo, por lo que la corrección tiene que ser antes de que seque.

En el caso del puntillismo, cada punto debe de ser equidistante entre sí, para lograr un efecto uniforme y a partir de ahí ir capa a capa agregando puntos en determinada zona para ir oscureciendo, esto se debe hacer poco a poco.

Esta técnica requiere, precisión, trabajo fino y bien cuidado, y aptitudes que puedes ir mejorando con la práctica.

ILUSTRACIÓN CON BOLíGRAFOS (esfrográfico)

En general, el bolígrafo, es de difícil manejo como instrumento de dibujo, puesto que no admite correcciones como otros procedimientos. Al mismo tiempo su punta aguda y punzante exige un gran dominio tanto de las líneas de contorno como de las tramas que cubren las superficies.

Los dibujos realizados con este procedimiento se compone de tramas formadas por puntos repartidos según diferentes densidades, por pequeños trazos superpuestos, por líneas alargadas que se diluyen en sus extremos o por comillas o garabatos superpuestos hasta lograr los efectos deseados.

Con esta técnica es posible obtener formas sutiles o rotundas, contrastes marcados y transparencias. La superposición de tramas en varios colores hace posible, asimismo, los más sorprendentes efectos y mezclas cromáticas. Se pueden obtener dibujos de gran realismo o utilizarse como técnica de abocetado.

El bolígrafo se puede usar desde el dibujo lineal, tramado, manchas y planos texturados y "pintar" con gradientes y esfumados.

Para las tramas es recomendable ver las imágenes de los billetes, siendo  el mejor ejemplo. Así como los artistas grabadores de aguafuerte, punta seca, etc.

Para las manchas se usa lo que se llama positivo-negativo, manchas de un color para las sombras y respetar los espacios en blancos para las luces mediante reservas.

Para pintar con esfumado, apoya la punta del bolígrafo y tira la línea, mientras levantas la muñeca con suavidad, es cuestión de practica pero una vez que tienes la técnica suficiente podrás acomodar el ángulo de la punta para jugar con los gradientes.

Es recomendable estar siempre con un papel debajo del borde de la mano con la que dibujas así no corres la tinta. Dibujar con varias bolígrafos porque con uno solo agotarás la punta y entonces dibujan entrecortado o te tiran gotas de tinta que arruinan el dibujo. Por ultimo, trabajar limpiando la punta periódicamente mientras dibujas. Una buena alternativa es el bolígrafo de tinta gel que es mas sensible al ángulo en que la apoyas y es más delicado el dibujo.

BODY PAINTING

El Body Paint o Bodypainting es el arte de pintar un cuerpo desnudo con motivos, colores y formas desarrollando expresiones artísticas que evocan, incluso, un estilo de vida. El arte de pintar el cuerpo data de miles de años – antes de las momias egipcias- la cultura ancestral chilena tiene uno de los más claros referentes; los muertos eran pintados con azules y rojizos.

Las sustancias que se utilizan para la práctica del Body Paint son: Henna, pinturas naturales, maquillajes corporales en base acuosa u oleosa*. Los colores tantos como seamos capaces de combinar. Las formas o motivos dependerán del autor, además de las posibilidades morfológicas de la persona pintada: paisajes, objetos, formas geométrica, para “mimetizar” un cuerpo desnudo o semi desnudo.

En cuanto al proceso del Bodypainting, o procedimiento de pintar el cuerpo, es muy importante tener en cuenta que estamos pintado un ser vivo y -además del acabado- *para la comodidad de la modelo debe secar rápido y ser hipo alergénica, con lo que es recomendable utilizar maquillaje al agua. También se utiliza para acabados con brillo o satinados- una laca que además realza los colores.

Otra técnica es EL LATEX, catalogada como una de las más sencillas; relieves y formas se consiguen muy fácilmente con este material, logrando efectos espectaculares.

El Aerógrafo es la piedra angular del Bodypainting. Se trata de una pistola con depósito para la pintura que -propulsada por aire- “vaporiza” ésta hacia la piel; ayudada de un compresor que genera la fuerza/presión correcta. Existen aerógrafos de precisión y vaporizadores, dependiendo de cada necesidad y estilo concretos.